Arte Para Dummies

Mucha gente ahora mismo no sabrá de quién estoy hablando cuando me refiero a Matthew Barney (San Francisco, EE.UU, 1967). Aunque seguro que mucha de esa misma gente si conoce a su esposa, Björk. Pues si, Matthew Barney es el marido de la islandesa más extravagante de la música pop. Y bueno, como veréis, en el fondo no se cual de los dos es más raro.

Matthew Barney comenzó su carrera en los noventa obteniendo rápidamente una gran notoriedad. Aunque en su adolescencia vivió en Idaho, al terminar sus estudios de bellas artes se traslada a Nueva York donde reside en la actualidad. En sus inicios trabaja en una forma de performance donde combina sus dotes para el ejercicio físico con el trabajo audiovisual. Pero sin duda lo que le ha dado fama mundial es su ciclo "Cremaster". Se trata de una serie de películas, obras audiovisuales, no secuenciales (no siguen orden cronológico) donde realiza una exploración de los cambios, la ruptura del equilibrio de las cosas y las pulsiones sexuales (el Cremaster es el músculo que se encuentra en el pliegue de la ingle y las bolsas testiculares, que permite retraer los testículos). En ellas introduce muchos elementos de su experiencia personal (por ejemplo, en Cremaster 1 sale el Bronco Stadium en Idaho donde jugó en su adolescencia); elementos surrealistas y oníricos (que le podrían emparentar, lejanamente, con el cine de David Lynch o Alejandro Jodorowsky); expresionistas (sobretodo en la caracterización de personajes); etc. En casi todas ellas sale el mismo Barney interpretando a algún personaje de lo más extravagante como el mago Harry Houdini, un macho cabrío o el asesino Gary Gilmore.



Se puede considerar a Barney un artista audiovisual o videoartista aunque no en la visión arquetípica del término. No al estilo de un Naim June Paik (uno de los padres de la videoinstalación y el videoarte, y del cual hablaré otro día). Así pues con este ciclo de películas no está claro si Barney acerca la producción artística a la cinematográfica, o viceversa. Lo que está claro es que muestra una gran imaginación en sus producciones que bien merecen cierta consideración.

Lista cronológica del ciclo "Cremaster":

• Cremaster 4 (1994)
• Cremaster 1 (1995/1996)
• Cremaster 5 (1997)
• Cremaster 2 (1999)
• Cremaster 3 (2002)

Enlaces de interés:

• Página oficial del ciclo "Cremaster"

Esta obra de 1965 realizada por Joseph Kosuth (Toledo, EE.UU, 1945) es un ejemplo claro de la evolución intelectual que ha sufrido el arte sobretodo en la segunda mitad del siglo XX. Bueno en realidad el arte siempre ha sido un proceso intelectual pero era también, y fundamentalmente, un proceso técnico. Desde el arte gremial de la Edad Media hasta el impresionismo la obra final era la gran protagonista, y a ella se asociaba el proceso técnico. Pero con la llegada de los dadaístas y, fundamentalmente, de Marcel Duchamp empieza el verdadero cuestionamiento de "¿que es el arte?", si se comprende esto se pueden entender algunas, no todas, de las polémicas de la actualidad.

Kosuth es un artista de los llamados conceptuales. Estuvo asociado, también, al movimiento Fluxus ya que sus premisas casaban bastante con la idea que tenía sobre el arte. Pero Kosuth, como todo buen creador, trasciende la mera etiqueta de un movimiento y se posiciona como un elemento singular en sí mismo. En su obra general, y por ende en esta, se puede apreciar la influencia del nombrado Duchamp; la del surrealista Magritte (como su obra "Esto no es una pipa" de 1928); o de las teorías filosóficas del lenguaje de Ludwig Wittgenstein y el círculo de Viena.
Lo que viene a decir Kosuth es que el arte es un estado mental. Tan importante, o más, es el proceso intelectual como la plasmación del mismo. Situar la idea por encima de nociones como belleza o estilo, intocables hasta el siglo XX, era revolucionario. El Arte, con mayúsculas, es una forma de pensar el mundo. Fue Kosuth el que dijo aquello de "la única justificación del arte es el arte. Arte es la definición de arte" en su ensayo "Arte después de la filosofía" (1969).

Así en esta obra nos obliga a reflexionar sobre la naturaleza misma de las ideas. Del desarrollo de la idea. Como algunos críticos señalaron en su momento, muestra como es la evolución de la idea (la definición de silla) a la realidad tangible (la propia silla). Es una reflexión de como se entiende la realidad, ¿es más real lo pensado que lo realizado? Todo muy relacionado, como digo, con las teorías de Wittgenstein. Es, al fin y al cabo, una reflexión humana. Todos somos intelecto, imagen y presencia material. Todos somos percibidos en todos esos planos. Si esto no es arte, nada lo es.

Esta es la encrucijada del arte. Quizá ir más allá no es posible, (como le ocurría al Suprematismo de Malevitch). Quizá algunas de estas premisas han sido utilizadas para escudar propuestas tendenciosas y aprovechadas. Sí y no. Daría, y da, para mil y un debates. Lo que está claro, al menos para mí, es que Joseph Kosuth (junto con Joseph Beuys y Marcel Duchamp) es uno de los más importantes artistas - teóricos del siglo XX.

"Soy un artista en una época en la que la filosofía ha muerto" Joseph Kosuth.

Hagamos algo de breve historia. El Pop Art [1] nace en la Inglaterra de los 50, del trabajo de gente como Richard Hamilton, como una expresión artística donde tenía gran peso la influencia de la publicidad, cine, televisión, etc. Autoafirmación de la cultura capitalista pero con una cierta ironía sobre la misma. Al menos en su versión inglesa.

Pero será en Norteamérica donde el Pop Art alcanzará todo su esplendor y magnitud mediática. En la Norteamérica de los 60; del "baby boom"; donde la televisión y publicidad ya tienen un poder de "seducción" importante; donde están las estrellas del cine; cuando se desarrolla el cómic como industria de entretenimiento; etc. En fin estamos ante el verdadero nacimiento de lo que popularmente se conoce como "american way of life". Y el Pop se encargo de reflejarlo. Por que si algo tiene el Pop Art es que elevó lo cotidiano de la sociedad de consumo a modo de arte.

Antes hablaba de Norteamérica pero habría que puntualizar en un lugar, Nueva York. Nueva York con el advenimiento del Pop pasa a dar la puntilla definitiva a París como la meca del arte "moderno". El Expresionismo abstracto la había herido de muerte y el Pop terminó por matarla.

Así, el Pop Art, tomó prestado de la televisión y, sobretodo, de la publicidad para después hacerle el favor de devolvérselo con creces. Un estilo ausente de matiz político. Aunque en sus inicios tuviera cierto cariz irónico, el Pop Art se "entregó" a esta cultura de lo banal a la que le dió nuevas formas de expresión e, incluso, nuevos iconos. Si algo hizo el Pop Art fue acercar de nuevo el arte a la gente, le proporciono imágenes comprensibles. Hizo aún algo más, devolvió el realismo a primera linea del arte. En un periodo en que el arte vivía de los interesantísimos movimientos abstractos (Expresionismo Abstracto e Informalismo) o figuraciones expresionistas (Art Brut o "islas" creativas como Francis Bacon), el Art Pop devolvió el realismo más evidente. Aunque de una forma que le hizo parecer revolucionaria.

Todo esto se refleja en el artista del que voy a hablar hoy, Mel Ramos (Sacramento, 1935). Cuando hablamos de Pop Art la mayoría de gente piensa en su icono, Warhol, o su artista más representativo, Roy Lichtenstein. Pero Mel Ramos también tiene su interés.

Mel Ramos tiene la particularidad de ser californiano, lo que quizá influyera en su decisión de representar desnudos femeninos. Las "Pin - Ups" son imágenes de chicas que fijaban los trabajadores para compensar la cotidianidad diaria. Ramos mezcla estas imágenes de chicas con productos de publicidad. Recupera el erotismo en el arte, ausente en los movimientos abstractos. Pero al mezclarlo con la publicidad al amparo de la revolución sexual, muestra el camino que ya se estaba siguiendo tanto en publicidad como en diseño. La publicidad siempre ha cobijado productos de consumo bajo consignas de placer, muchas veces erótico y destinado al publico masculino. Aunque la publicidad es más sutil en su erotismo. Así que en el fondo el erotismo más evidente de Ramos termina siendo, en parte, subversivo. Presenta a las modelos como ejemplos de belleza arquetípicos, de formas perfectamente dibujadas (normalmente realiza óleos) pero siempre rodeadas de algún producto, que también presenta con gran detallismo, con lo que se produce un ambiente irreal. Uno no sabe si se vende el producto o la chica. Sea lo que sea, esta claro que viene a decir, de forma irónica o no, que solo con el consumo se alcanza la felicidad. La publicidad tomó buena nota.



Mel Ramos ha continuado con su estilo hasta la actualidad pero ya inmerso en el cliché y la repetición. Es uno de los pocos representantes del Pop Art que quedan vivos.

Enlaces de interes:

• Mel Ramos web oficial
  

[1] El término Pop Art fue acuñado por el crítico inglés Lawrence Alloway.

Voy a inaugurar el blog con una obra arquitectónica que pertenece a mi "tierra". Como habréis adivinado por el título se trata del CDAN (Centro De Arte y Naturaleza). Una obra que no es solo algo desconocida fuera del ámbito aragonés sino en el mismo inclusive. Es más, en la propia ciudad de Huesca hay cierto desconocimiento del mismo.

Este museo es obra del arquitecto navarro Rafael Moneo y se inaugura el 27 de enero de 2006. Pero antes de analizar el edificio, es conveniente hacer una breve historia de como surge el proyecto y dar algunos datos del arquitecto.

Voy a dar algunos datos de Rafael Moneo (Tudela, Navarra, 1937) aunque es uno de las arquitectos españoles más conocidos y reconocidos. Y no hablo solo del círculo artístico, cualquier persona de a pie es probable que conozca o haya oído hablar de Moneo. Pero de todas formas vamos a dar algunos datos concretos. Se titula en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid en 1961; becario en la Academia de España en Roma (donde coincide con José Beulas); ejerce de profesor en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (1966 – 1970); enseñara también en Barcelona al obtener en 1970 la cátedra de Elementos de Composición en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura, volverá a Madrid para ocupar la cátedra de la Escuela de Arquitectura de Madrid; en 1985 es nombrado Chairman del Departamento de Arquitectura de la Graduate School of Design de la Universidad de Harvard, universidad en la que permanece hasta la actualidad pero ahora siendo titular de la cátedra Josep Lluís Sert.

Entre los galardones recibidos hay que destacar el Premio Pritzker de Arquitectura de 1996 (el más prestigioso premio para un arquitecto) y la Medalla de Oro del Royal Institute of British Architects de Londres en 2003.

Algunos de los proyectos destacados de la carrera de Moneo serían, por nombrar algunos, la fabrica Diestre en Zaragoza (1965 - 1968), el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida (1980 -1985), la remodelación y amplicación de la estación de Atocha de Madrid (1984 - 1992), el Museo Thyssen - Bornemisza (1989 - 1992), la Fundación Pilar i Joan Miró en Palma de Mallorca (1987 - 1992), el nuevo edificio del ayuntamiento de Murcia (1995 - 1999), el Kursaal Auditorio y Centro de Congresos de San Sebastián (1990 - 1999), el Museo de Bellas Artes de Houston (1992 - 2000), o este Centro de Arte y Naturaleza de la Fundación Beulas en Huesca (1999 - 2005).

Pero, ¿Como se llega a este proyecto?

Este proyecto tiene su origen cuando el artista gerundense José Beulas (1921 Santa Coloma de Farnés, Gerona) decide donar su obra a la ciudad de Huesca con la condición de la realización de un espacio expositivo para la misma. En un inicio Beulas piensa en Roma de Paredes, arquitecto amigo suyo en la Academia de Roma. Pero este había fallecido cuando se prepara el proyecto con lo que piensa en Rafael Moneo con el cual también había coincidido en la misma Academia de Roma.

Una vez concretado el arquitecto el mismo Beulas, en una carta, le impone a Moneo una serie de orientaciones para el proyecto. Así le dice que “su proyecto conecte directamente con su jardín, que no arranque ni un solo árbol y que busque sistemas para almacenar agua de lluvia y proteger el cierzo de las entradas"[1]. También le pide que se pueda contemplar la Sierra de Guara que enmarca el paraje en el que se encuentra situado. Esto último lo hace, seguramente, conocedor de la habilidad que tiene Moneo para contextualizar los edificios con los que trata. De dotar a al arquitectura de un “dialogo” respetuoso con lo que le rodea.

Pues si, por que si por algo destaca Moneo es por su gran labor de contextualización de su arquitectura. Es decir la habilidad para establecer una relación entre la obra y el lugar. Es algo que se puede ver en otros proyectos suyos como en el Museo de Arte Romano de Merida donde contextualiza el edificio con el legado romano de la ciudad y la obra que alberga en su interior; en el Ayuntamiento de Murcia donde realiza una fachada - retablo que entronca, sin restar protagonismo, con la catedral; o en el Kursaal donde contextualiza con el mar y el río al construir unos volumenes semejantes a 2 grandes rocas varadas.

Con estos precedentes no sorprende su labor en Huesca. Aquí no contextualiza con la ciudad, a la que tiene algo apartada, sino con el paisaje de fondo. Inspira sus volúmenes en el paisaje pirenaico, en formaciones como los Mallos de Riglos. Contextualiza con el paisaje. A su vez se une su obra a la de Beulas, ya que José Beulas destaca por sus pinturas de paisajes pirenaicos.

Establece un bloque ondulado, dinámico, que se asemeja a una formación montañosa. Utiliza, también, el museo como obra de arte pero sin quitar protagonismo a lo que hay dentro. Dentro establece un espacio intermedio (donde se encuentra el mostrador de entrada) entre el exterior y la sala de exposiciones, esta última más diáfana y con más luz. Juega con cierto minimalismo en la composición de espacios y de volúmenes tanto en el interior como en el exterior.


En definitiva, consigue lo que le demandaban. Un proyecto acorde a las características de la obra de Beulas, de las obras que se pueden exponer en su interior, de la ciudad de Huesca y su paisaje colindante. Un proyecto muy interesante y que no podéis dejar de visitar si acudís a Huesca (para las fiestas de San Lorenzo, por ejemplo).

Enlaces de interes:

• CDAN
• Ayuntamiento de Huesca
  

[1]Cfr. Texto extraído de la monografía VV.AA, Moneo CDAN, Huesca, CDAN, 2006, p. 19.

Comienza, comienzo, aquí un blog en el cual el autor, o sea yo, quiero hablar sobre temas artísticos sin que a nadie le salga sarpullidos por ello. Me explico. El arte, en toda su acepción, es un tema controvertido sobre todo en la actualidad. Desde mi posición de intermediario entre arte y publico (una de las funciones del historiador del arte) pretendo dar información sobre temas, obras, artistas, información, etc; sin que por ello resulte tedioso. Al contrario pretendo hacerlo ameno y sencillo. Es más, esto no pretende ser guía de arte sino una pequeña introducción al neófito (de ahí lo de "dummies") que estimule su interés para buscar por si mismo más información sobre el tema.

Ya desde aquí digo que no soy un un ejemplo de originalidad. No pretendo dar grandes sentencias, ni rebatir (en principio) la opinión de gente aún más experta que yo en la materia. Aunque claro siempre habrá un punto de vista subjetivo (algo lógico), donde prevalecerán mis gustos.

Así, pretendo hablar de arte contemporáneo principalmente, ya sea pintura, escultura, arquitectura, performances, cine, vídeo, etc. Arte contemporáneo hecho principalmente desde la segunda mitad de siglo XX en adelante. Por dos razones; una por que creo que es un periodo bastante desconocido (a pesar de ser el arte de "nuestro tiempo") para el público en general; y dos, por que es uno de los periodos que más me apasionan tanto por temáticas, artistas, polémicas, etc.

En principio nada más por mi parte.

Un saludo y nos leemos.